El Flaco Spinetta tenía 62 años y una trayectoria tan extensa como sobresaliente. En 1967, junto con Edelmiro Molinari, Emilio del Guercio y Rodolfo García, creó el mítico grupo Almendra, pionero del rock nacional. La canción “Muchacha ojos de papel” llegó junto con el primer álbum de la banda y se quedó como uno de los clásicos más hermosos.

A comienzos de los setenta fue el líder de Pescado Rabioso, acompañado por Black Amaya, Carlos Cutaia y Osvaldo Frascino. El Blues Rock marcó el sello de aquella formación.

Artaud (1973) es un disco de Spinetta solista, considerado por muchos uno de los mejores del rock argentino. Lleva ese nombre debido a la admiración que el músico sentía por el escritor francés.

Siguieron Banda Spinetta (1977) y Spinetta Jade, ya entrando en la década del ochenta.  Después, Spinetta y los socios del desierto (1994), una buena lista de trabajos en soledad y otros en compañía de artistas, como el disco La la la (1986) junto a Fito Páez.

Puf! La lista es larga, más larga aún que esta fría y pobre reseña. Pero sus trabajos enumerados no nos dicen ni un poco de todo lo que significa su obra. El Flaco no fue sólo creador de buena música, fue el padre de melodías extraordinarias y de una poesía exquisita.  

En estos días, por acá todo es pena y nostalgia. Los grandes músicos lo saludan, lo despiden con aplausos. Las redes sociales explotan y no alcanzan las maneras para homenajearlo, para agradecerle por tantas satisfacciones. Su partida fue el tema obligado de conversación y se escucharon sus canciones por todos lados. Las generaciones que se marcaron a fuego con su música, lloran con el alma y se desprenden de un pedazo de sus vidas.

La pérdida es inmensa, pero el legado también. Te seguiremos escuchando, donde quiera que estés.

]]> http://puntocaotico.com/2012/02/11/adios-flaco-de-otro-mundo/feed/ 0 Spinetta gabrielagastaldi http://puntocaotico.com/2012/02/11/rio-de-janeiro-ciudad-maravillosa/ http://puntocaotico.com/2012/02/11/rio-de-janeiro-ciudad-maravillosa/#comments Sat, 11 Feb 2012 17:53:06 +0000 Gabi Gastaldi http://puntocaotico.com/?p=4050 Read more]]> Bienvenidos a Rio de Janeiro.  Adelante, los invito a conocerla, besemos el mar sobre la arena de Copacabana. Arena suave y agua clara.

¿Qué tiene Rio para que todos la llamen “ciudad maravillosa”? Veamos…

Mundialmente famosa, recibe a miles de extranjeros cada año y es una de las ciudades más visitadas de Latinoamérica. Conocida por sus playas, que  no son sólo playas; son también mitos urbanos.  Copacabana, “la princesita del mar”, llena de historia, es siempre el punto de referencia. Ipanema y su “garota”. Y también Leblon, para completar el trío de las más famosas. Tres playas consecutivas, cada una pegada al barrio que lleva el mismo nombre.

Sigamos… Música por todas partes. Dos hitos más: “El Pan de Azúcar” y “El Corcovado”. Ningún turista se atreve a no visitarlos, son puntos obligados y no por nada. El “Pao” (Pan), permite contemplar gran parte de  la costa y nos acerca a la imponente Bahía de Guanabara. Llegar arriba a la tardecita, cuando las luces de la ciudad marcan el territorio, es un espectáculo hermoso. El “Cristo Redentor” (estatua de aprox. 38 metros de altura) espera en la cima del cerro Corcovado, invitándonos a contemplarlo todo.

Hasta acá, nada que no podamos encontrar por otras partes. Pero hay más, mucho más. Rio tiene magia, o al menos eso sentimos los que nos enamoramos perdidamente de ella. Un mundo que desborda por lejos a los folletos turísticos, una geografía cautivante, montañas verdes que abrazan el cemento, repletas hasta la cima de casitas pobres pero coloridas. Túneles que atraviesan la ciudad como si fueran sus venas. Olores en cada esquina: a pescado, a comida, a perfumes importados, a mar y a podrido. Lugareños que gritan en los bares: se pelean, discuten, se amigan y se aman; siempre en voz alta y con la dulzura bien auténtica del portugués. Vendedores ambulantes que venden bizcochos dulces, excursiones, alojamientos e ilusiones.

El lujo y la opulencia, las carteras Louis Vuitton a escasos metros de las Favelas; todo junto, fragmentado en el mismo mar. Los ojos tristes de los marginados, hastiados de dolor, se entremezclan como hormigas acompañados de una sonrisa grande y generosa, que no se explica. Contradictorio pero real.

En Santa Teresa, barrio bohemio, los artistas plantan sus banderas. Ya no estamos pegados al mar, pero desde algún punto siempre se ve. Por ahí está Lapa, plagado de murales y graffitis a puro color. Merece un capítulo entero; pero en resumen, es otro lugar del pueblo por el que todos quieren pasar.

Un cúmulo de sensaciones, eso es Rio de Janeiro. Adrenalina todo el tiempo. Tristeza e impotencia,  que se borran con la alegría de cada canción, de cada sambada, del carnaval, de los turistas que llegan ansiosos, de los tantos cariocas que abren sus brazos. Júbilo. Éxtasis por caminar las calles de una ciudad única. Esperanza, de que algún día, todo lo malo se borre de ese lugar de postal.

]]> http://puntocaotico.com/2012/02/11/rio-de-janeiro-ciudad-maravillosa/feed/ 0 Rio gabrielagastaldi http://puntocaotico.com/2012/01/28/henri-cartier-bresson-y-el-instante-decisivo/ http://puntocaotico.com/2012/01/28/henri-cartier-bresson-y-el-instante-decisivo/#comments Fri, 27 Jan 2012 23:59:26 +0000 Gabi Gastaldi http://puntocaotico.com/?p=4024 Read more]]> Uno de los fotógrafos más emblemáticos del siglo XX. Para muchos, el padre del fotoperiodismo. Viajero incansable, aventurero, cazador de instantáneas. El disparo en el momento oportuno. Nunca un segundo antes, nunca un segundo después. El instante decisivo, que captura para siempre eso que jamás volverá a suceder. Con ustedes, mi fotógrafo favorito: Henri Cartier Bresson.

Henri Cartier Bresson

Francés, nació en el año 1908 y murió en el 2004. Antes que fotógrafo, fue pintor. Comenzó con el dibujo y la pintura surrealista desde muy pequeño. Alrededor de 1931 llamó a su puerta el arte de la fotografía. Su cámara Leica, pequeña y discreta, fue su aliada incondicional para fotografiar al sujeto sin distraerlo.

Trabajó para varias revistas y periódicos, aunque eso del fotoperiodismo, según sus palabras, fue sólo un acto de ocasión, una cuestión accidental y una etiqueta sugerida por su amigo Robert Capa.

Durante la Segunda Guerra Mundial, estuvo detenido por los alemanes por casi 3 años, hasta que logró escapar.

 En 1947 fundó la Agencia Mágnum, en compañía de Capa, Saymour y Rodger.

Viajó por todo el mundo y documentó actos tan importantes como la Guerra Civil en China y la muerte de Gandhi en la India, entre muchos otros.

Aunque no eran de su preferencia, también hizo retratos. Pasaron por su lente Fidel Castro, Marie Curie, Pablo Picasso, Edith Piaf, Henri Matisse y Ernesto “Che” Guevara. En una traducción de la transcripción de un audio (Words by Henri Cartier Bresson, 1973), dice al respecto: “Lo más difícil para mí es el retrato. Es muy difícil. Es un signo de interrogación que pones en alguien intentando contar quién es, a qué puede aspirar, cuál es el significado de su expresión… Y la diferencia entre un retrato y una instantánea es que en el retrato la persona acepta ser fotografiada. No es como alguien que ves, lo coges en la calle y ya”.

'Niño con dos botellas'

No hay vuelta que darle, la fotografía de Bresson es la vida misma, al natural, justo cuando está transcurriendo. Es un fragmento de la realidad encerrado en un marco que explota y permite romper los límites, para ver la realidad de nuevo, mucho más amplia y desbordando lo abarcado por la cámara. En el mismo audio citado más arriba, las palabras del maestro: “Me gusta conocer a la gente en su ambiente. Es fascinante entrar en los hogares de la gente, mirarlos… Pero debes ser como un gato, sin molestar, de puntillas como un biólogo mirando a través de su microscopio”.

En 1952 publicó su primer libro, “Images á la Sauvette”, que literalmente se traduce como “Imágenes a hurtadillas”.  De la portada del mismo, más precisamente de una frase que él citó, proviene el sello  del “instante decisivo”, adherido al nombre de Cartier-Bresson.

Bresson fue fotógrafo en blanco y negro. Jamás recortó los negativos, no encuadraba ni cortaba absolutamente nada. Bresson fue el fotógrafo del disparo: “Soy como ese cazador al que le apasiona derribar una pieza, pero no la comería. A mí me ocurre lo mismo; sólo me importa disparar. El problema es encontrar el momento oportuno, el instante…”

Bresson fue, es y será; sin ninguna duda y para siempre, el fotógrafo de la calle.

Formamos parte de una era musical independiente que, cansada de repetir los sonidos del pasado, busca la novedad en la mezcla de estilos. The Seedy Seeds es un trío estadounidense, de Ohio, que cumple a la perfección este contemporáneo requisito musical. Por un lado, guitarras y baterías acústicas, banjo y violín. Por otro, resplandores electrónicos con voces suaves y melódicas. 

TSS es uno de esos grupos que intentan hacer de sus álbumes todo un recorrido ecléctico dentro de su ámbito, el folk pop en este caso. 

Alegría, ganas de empezar el día con una sonrisa. Eso es lo que transmite el último single de estos chicos, Verb Noun, homónimo a su elepé publicado a principios del pasado año. Una canción en la que las melodías de teclado y guitarra se van coordinando para explotar en una batería que no se adapta al compás, y en una suave voz, la de Margaret. Una buena calidad de sonido con violín y banjo se encargan de dar el último toque magistral. Algo similar podría decirse de Tired Enough to Dive, uno de los temas más despiertos de su último álbum: comienzos electrónicos, batería y la agradable voz de Mike que se fusiona con la de ella en los estribillos.

Algunas otras canciones como Drive me to the Center, con esa base tan rítmica y bailable, nos hacen pensar en el típico perfil de adolescente loco por la rave. Sin embargo, TSS es una banda en la que dos de sus tres componentes se acercan más a la mitad de la treintena que a la mayoría de edad, por extraño que pueda parecer.

Pero no todo es alegría y baile en estos chicos, su lado más melancólico se deja entrever en temas como Coyote Song, melodía suave marcada por un teclado prominente, en Ethel, máximo esplendor de violín y voz de Margaret, o en Run Down the Day.

Su último elepé, Verb Noun, para escuchar al completo en su bandcamp, es un trabajo en el que el pop, el folk y la música electrónica se combinan para dar lugar a melodías cuidadas y difíciles de olvidar tras su segunda escucha.

Actualmente, la banda se encuentra de gira  por Estados Unidos. Esperemos poder tenerlos por Europa próximamente.

El largometraje (co-producción argentina-española), dirigido por Sebastián Borensztein y protagonizado por Ricardo Darín, está nominado junto a otras producciones mexicanas, chilenas y cubanas.

Un vínculo creado por el azar. Una vaca, un chino y un argentino. Una película de humor, articulada en la tragedia. Tragicómica.  Oriente y Occidente. La vida es un absurdo. Diferencias y encuentros. El racismo, bastante sutil, y la solidaridad pese a todo. Un “cuento”, muchos mensajes.

Resulta que “el chino” (Ignacio Huang), después de que una vaca cae del cielo y mata a su amada prometida; arriba a Buenos Aires sin hablar una palabra de español  y con la dirección equivocada de un pariente. Recién llegado, sufre un asalto y pierde todo su dinero. Así, desnudo en una tierra lejana, se encuentra con Roberto (Ricardo Darín), un ferretero gruñón y solitario, atrapado en el tiempo por su pasado doloroso. Y ahí comienza todo. Roberto se hace cargo del singular  “personaje”. “El chino” se encarga también de Roberto, haciéndolo reaccionar frente a la vida.

Ricardo Darín es un ícono del cine argentino. Protagonista en la ganadora del Oscar a la mejor película extranjera en 2010, “El secreto de sus ojos”; entre muchas otras. En esta oportunidad, su actuación es impecable. Construye un personaje riquísimo, que se pone al hombro el particular clima de toda la película.

Ignacio Huang tuvo su primera oportunidad en el cine de la mano de este film y no le fue nada mal. Hace unos días, contó en televisión que pocas veces imaginó la posibilidad de actuar en Argentina y que se siente muy identificado con su personaje, ya que él también llegó al país como inmigrante.

Borensztein logra un relato atemporal y perdurable, un guión con pocos bajos y un final discreto pero profundo.

La pelicula, ya ha cosechado algunos premios: obtuvo el “Rainer Werner Fassbinder” en el festival de Mannheim-Heidelberg y  el “Marco Aurelio” en Roma. Vamos a ver qué pasa en Madrid. Más allá de las distinciones, vale la pena verla!

¿Se puede controlar el destino? Enio parece controlarlo todo. Es ingeniero y trabaja en una central de tránsito. Desde sus cámaras contempla y maneja el tráfico vehicular.

Pedro es un jugador de billar, obsesivo y ordenado. Trabaja  todos los días sólo para mejorar su técnica y está convencido de que se puede ganar el partido con una sucesión de jugadas planeadas a la perfección.

Dos historias mínimas, que se cruzan en un instante trágico, por casualidad, o no. Un instante, en el que la vida de los personajes cambia para siempre.

Todo eso, inmerso en una escenografía inmensa y apabullante: la gran metrópoli brasileña. Las tomas de la imponente San Pablo, junto a una presentación impecable de las historias y los personajes; logran  el asombro y la perplejidad. Ni bien comienza la película, el espectador sabe que no va a visitar lugares comunes.

El director, con una amplia trayectoria en cortos,  logra en este trabajo una secuencia simple pero desgarradora. En algunos picos, traspasa la pantalla una sensación ambigua: el mundo es un pañuelo pequeño que  se fusiona con una impetuosa  inmensidad. Philippe Barcinski pertenece a una generación de directores jóvenes, que sorprenden con un nuevo lenguaje cinematográfico; bien diferenciado del cine comercial de Brasil. “Palindromo” y “Janela Aberta” (Ventana Abierta) pertenecen a su premiada lista de cortos.  Prometo a los lectores de Punto Caótico, una reseña de los mismos para cuando los tenga vistos. Su último largometraje se llama “Entre Vales e Montanhas” (Entre valles y montañas) y se estrenó en 2011.

Los actores aportan excelentes interpretaciones. Rodrigo Santoro (Pedro), quizás sea el actor más conocido saliendo de las fronteras latinoamericanas, sobre todo por su participación en la tercera temporada de la serie norteamericana “Lost”.

Leonardo Medeiros (Enio) es un actor con experiencia en teatro, cine y TV. Su actuación en “Nao por acaso” es impecable, y, según mi criterio, una de las principales causas de la excelencia del producto terminado.

Leticia Sabatella (Lúcia), Branca Messina (Teresa) y Rita Batata (Bia) conforman el elenco femenino principal. La primera, reconocida actriz brasileña, famosa por su rol de “Latiffa” en la novela de éxito mundial, “El Clon”. Las últimas dos, actrices de cine, bastante más alejadas de las producciones comerciales.

La música es un personaje más. Una orquesta desafiante y creativa, que se abraza con las imágenes transmitiendo sensaciones sutiles pero profundas.

San Pablo es una ciudad explosiva, enorme e impactante. En ese ícono del urbanismo latinoamericano, en ese mar inmenso y oscuro; dos granitos de arena chocan en la cámara del director, para dejarnos pensando en los encuentros  mínimos y en la potencia de las historias puras.

“Não por acaso”, un relato que sin mayores pretensiones, marca el alma y deja huellas.

Portada del EP 'No Easy Road' de La MODA

Son siete, número mágico dicen, y parece que la magia corre por cada uno de los instrumentos de la Orquesta. Llamativo es, cuanto menos, un grupo que cuente en el mismo pack con acordeón, armónica, mandolina, banjo, saxofón, violín, batería, bajo y guitarra. Suenan bien, transmiten y, encima, llegan al público. Lo tienen todo.

“No Easy Road” es su primer EP en el que destilan todo lo mejor de su música. Tal vez sea esa esencia novedosa, ese embriagador licor con toques de la música del Este de Europa, trazas de country americano y esa base principalmente folk-blues lo que faltaba para no siempre beber de lo mismo. Han convencido casi desde el primer trago y, quienes conocen sus directos, saben que La MODA nunca defrauda.

Un disco con seis temas (dicen que no han incluido más para no cansar al personal)  en el que Masters of the world, canción estrella de la banda burgalesa, nos da la bienvenida y nos confirma lo que muchos ya sabíamos: no necesitan ayuda, sólo necesitan la guitarra para triunfar.  La voz rota del Maravilloso Dabid nos guiará en este viaje con parada en  Just sing loud, No easy road, Singing & Sinking dónde  la Maravillosa Bea Ruiz aparca el violín para sorprendernos con su voz, Baker St. y finalmente un alegato en defensa de lo no tradicional y lo clandestino con Underground blues.

Pero no debemos pecar de aduladores, que se podría perfectamente… tal vez La MODA falle un poco al no tener algún tema en castellano y al darle un tono y un ritmo muy similar a todo lo que tocan. Esto último les ha llevado a arreglar un tema que no falta en sus directos y que primigeniamente destacaba por ser diferente: Gipsy Queen, ahora ha perdido la magia y se parece al resto.

Me aventuro y espero no equivocarme, en que este es el comienzo de un largo viaje que llevará a nuestros amigos de “La Maravillosa Orquesta del Alcohol” a diferentes destinos de la geografía española, y esperemos que del resto del mundo.

Leven anclas, que el barco toma rumbo al éxito merecido. Masters of the World.

Fotografía: UmasArt

Tres años después, son muchas las personas que esperaban ansiosas un nuevo trabajo de Amaia, el cual ya está a la vuelta de la esquina bajo el nombre de ‘Amaia Montero 2′ o ’2′. Un título que para la artista salió de su propia superstición y que trae detrás 11 nuevos temas que darán mucho que hablar. Grabado entre los estudios East West de Los Ángeles y en Malibú y autoproducido por ella misma en co-producción con Sebastian Krys y Paco Salazar, este nuevo disco supone un salto muy considerable desde aquel ‘Quiero ser’ con el que Amaia daba el pistoletazo de salida a su etapa en solitario. El 17 de septiembre comenzaba a sonar en las emisoras de radio ‘Caminando’, el single presentación de este nuevo trabajo.

Como suele suceder muy a menudo, este es un single que quizás crea dudas o confusiones a la hora de imaginarnos cómo será el resto del disco, el cual, en este caso, presenta una variedad de estilos que hacen de ’2′ un álbum muy potente y ameno. En este nuevo trabajo podremos viajar por diferentes estilos musicales, con temas bañados en el reggae o adornados con toques eléctricos. También nos podemos deleitar con baladas con el toque personal que le da su voz, la cual le da una fuerza y un sentimiento que pocas voces consiguen.

El disco lo abre ‘Cuestión de suerte’, una canción en la que Amaia quiso añadir unos coros gospel y que comienza con la parte más dulce de la cantante, desembocando en un estribillo fuerte y muy pop. Tras este tema, llega el ya nombrado anteriormente, ‘Caminando’, una canción rumbera y muy positiva que salió de un momento difícil para la cantante, la cual anima a seguir hacia adelante. Tras esta canción que nos lleva a levantarnos del sofá y bailar, aparece una de las canciones más electrónicas del disco, ‘Dónde estabas’, un corte que habla de uno de los temas más comunes en la donostiarra, la ruptura, pero desde un punto más bien positivo.

Llega el momento de relajarse un poco, con una balada muy personal y en la que saca todo el potencial de su voz, ‘Tu mirada’; acompañada de guitarra y que nos va adentrando en un estribillo lento pero con mucha fuerza, haciendo prácticamente imposible escaparse de la emoción que provoca. Volvemos a cambiar de estilo, algo completamente contrario a la canción anterior, ‘Sabes’, un tema muy latino y con mucho ritmo que también presenta toques electrónicos, algo bastante novedoso en su música y que ella misma considera un progreso.

A este tema tan bailable y latino, le sigue uno más relajado, ‘Noviembre’, una canción lenta y nostálgica que se acerca más al estilo al que nos tiene acostumbrados y a la cual, pasado el ecuador del disco, le sigue la que, sin duda, es la composición más sincera y personal del disco, ‘Hasta siempre compañero’. Con un ritmo de guitarra poco común en su música, Amaia se dirige a su padre, fallecido al poco de presentar su primer disco pero desde un punto positivo, sin olvidar todo lo que vivieron pero mirando hacia adelante.

Nos vamos acercando al final del disco, pero quedan aún cuatro temas más, empezando por ‘Perdóname’, una preciosa balada en la que podemos apreciar el lado más dulce y melancólico de Amaia. Tras ella, ‘Una sola vez’ nos adentra en una música con toques reggae, algo completamente nuevo para ella y que le da un toque especial a este tema en el que declara que su etapa en pareja ha terminado y se dedicará a ella misma.

El disco se cierra con otras dos canciones llenas de sinceridad: ‘Entre tú y yo’ y ‘A tu lado’. En primer lugar, Amaia sentía la necesidad de dedicarle una canción a sus fans, los cuales para ella son uno de los pilares más importantes de su carrera y a los cuales está completamente agradecida. Un tema muy fuerte y en el que destaca el juego que se crea entre batería, guitarra y bajo, con unos parones y un puente que le dan una energía y un toque impresionante a este corte. Por último, la canción más solidaria de ’2′, un tema dedicado a los niños y de la cual Amaia dona los derechos de autor a Proniño, organización a la que está muy ligada y de la cual es madrina.

Sin duda, este nuevo disco dará mucho que hablar. Es un paso más en su carrera en solitario, un salto gigante y un progreso impresionante. La simbiosis creada con los dos co-productores de este disco, Sebastian Krys y Paco Salazar, le ha dado una fuerza a ’2′ que le hace alejarse mucho de aquel ‘Amaia Montero’ que nacía en 2008 y el cual ya ayudaba a considerar a Amaia como una de las mejores artistas del panorama musical actual. Un disco muy recomendable de, al menos, escuchar una vez ya que musicalmente es muy potente y profesional. Claro está que quien tenga un mínimo criterio musical admitirá que este nuevo trabajo de la donostiarra es, sin duda (y dejando de lado los gustos musicales de cada persona), un éxito más que añadir a su carrera musical, aquella que comenzó esperando el autobús 28 junto con La Oreja de Van Gogh y que continúa hoy en día ‘Caminando’ y recogiendo éxitos allá donde va.

Hay vida más allá de other lips, other kisses. Eso han demostrado esta mañana los de Getxo en la presentación de su nuevo mini álbum en las ultra conocidas Jack Daniel’s Sessions. ‘Great State’ supone un giro considerable en la carrera de estos bilbaínos, ahora más orientados hacia una música con bases guitarreras y melodías pegadizas.

Con una sonrisa constante en la cara, Deu ha puesto voz al evento para presentarnos los cinco temas del mini álbum que supone un puente a lo que vendrá después. Un pequeño aperitivo para tus oídos.

We Are Standard / José Sánchez

El single ‘7.45‘ está compuesto desde una base de guitarra setentera con unos golpes de voz que se alejan bastante de su anterior elepé. La voz cobra protagonismo presentándose de forma más suave y melódica, así como los arreglos electrónicos y el teclado abren una puerta al otro lado sensorial.

Un tema por el que apostamos como segundo single es ‘Let’s say i’m in love‘ que, según el propio cantante, no es una canción de amor, pero a nosotros nos ha enamorado. La canción comienza con una batería fuerte que se entremezcla con los coros de teclado y guitarra, sumergiéndonos en una especie de película universitarias americanas de los años 60.

‘Love me‘, por el contrario, sí que es una canción de amor, de amor por la música electrónica. Una base en clave baja. El bajo comienza en su máximo esplendor Riffs de guitarra y una batería que pone los pelos de punta. Este es un tema en el que el estribillo podría considerarse más musical que verbal, y es que los teclados estallan a mitad de la canción para no dejarnos quietos.

Completan el epé ‘Summer‘, la más repetitiva y común, y ‘The good ones‘, con un estribillo facilón, más coros y un teclado explosivo a mediados del tema.

El nuevo trabajo, que saldrá a la venta el 21 de noviembre, se editará en formato cd, vinilo y digital. La gira promocional comenzará a finales de octubre, aquí os dejamos fechas y lugares:

Tras su desvinculación de la multinacional EMI, Amaral volvía bajo el sello “Antártida”, creado en 2007 por ellos mismos y tras grabar su nuevo disco parte en su propio estudio de grabación madrileño y parte en el del gallego Juan de Diós Martín, Casadios. Después de presentar hace unos meses su primer single en un concierto acústico en Madrid, ahora nos traen el videoclip de dicho corte musical, sumado a la presentación y puesta en venta del álbum.

Amaral olvía a la escena musical reviviendo ese sentimiento, esa necesidad de recuperar la libertad, recuperando la esperanza a través de la vuelta a la vida animal con un toque rebelde y usando como protagonista a una tortuga (como se puede comprobar en su videoclip, incluído al final del artículo).

Una vez que das al play, “Hacia lo salvaje” te atrapa con sus grandes creaciones, sus letras e increíbles arreglos que hacen que este álbum pase a ser altamente recomendable para que ocupe un hueco en tu estantería musical. Además, su nuevo trabajo viene con un gran toque rockero que lo hace aún más potente de lo habitual. Así pues, en temas como “Si las calles pudieran hablar” o “Esperando un resplandor”, podemos ver el lado más rockero de Amaral.

Por otro lado, encontramos el polo opuesto a estas canciones más bien animadas y movidas en temas como “Cuando suba la marea” o “Robin Hood”. Con el primero de ellos, nos adentraremos en una profunda reflexión, además de transmitirnos fuertemente el deseo de ser arrastrados por el mar en nuestros últimos momentos, algo que muchos desearíamos. Además, nos inculcan ese sentimiento de dejarse llevar por el destino, de subirse en una “Montaña Rusa” y que cada minuto nos guíe, nos lleve a saber quiénes somos.

Más de una vez se ha oído definir a Amaral como un grupo con cierta bipolaridad musical que, sin duda, en este disco queda presente: el abanico de arreglos y toques que presentan sus temas son impresionantes. Así pues, podemos encontrarnos con temas basados en acordes al más puro rock, enajenaciones que derivan en toques grunge (“Montaña rusa”) u otros más cercanos al Folk (“Olvido”).

Con “Como un martillo en la pared”, se introducen en un tema que actualmente está muy presente y nos transmiten un sentimiento que muchas personas llevan muy a flor de piel: los políticos, esos que dirigen nuestro destino hacia algo “negro y desconcertante”. Si en este tema se dedican a criticar a dichas personas, en “Van como locos”, casi que se puede llegar a interpretar todo lo contrario: aquellos que luchan por sus derechos e ideales desde la calle, aquellos que “han tomado la ciudad y son parte de algo inabarcable, van viviendo por delante, van vagando por las calles, nada les podrá detener”.

Sin duda, con este nuevo disco Amaral no ha hecho más que confirmar lo que ya todos sabíamos: que es uno de los grandes grupos de la historia de la música nacional en la actualidad y que aún le quedan muchos pasos que dar, muchos escenarios que pisar y muchos éxitos que recoger por ese camino “hacia lo salvaje”. Además, este nuevo disco puede encontrarse en formato “Deluxe”, el cual incluye todos los temas en acústico, los cuales recomiendo sinceramente escuchar. Os dejo con el vieoclip de su primer single: